11 marzo 2005
DAMO SUZUKI + REYNOLS
Teatro ND Ateneo.
Once de Mayo.
+
Dialogues with MIGUEL TOMASIN.(Publicado en UBU WEB)
Trancription & Translation by Anla Courtis.
The following dialogues were transcripted from diary conversations with Miguel Tomasin (the drummer and leader of argentinean band Reynols, who is has by Down's Syndrome). As Tomasin is not interested at all in writing anything, these dialogues are probably the only access to Tomasin's philosopy or non-philosophy. (contact: reynols@htomail.com)
* * *
Question: Do you think the universe exists?Miguel Tomasin: No, it doesn't exist. It's just fantasy.
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Q: What's the most important thing in your life?MT: Photocopies.
* * *
MT: The score (of the match) was 1 to 1.Q: So who scored the goals?MT: Nobody.
* * *
Q: What came first, the egg or the chicken?MT: The cock.
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Q: What's there in the moon?MT: A screw and a chamame tape.
* * *
MT: God is a hidden camera
* * *
Q: Why doesn't clouds fall down?MT: Because if they fall, they die.
* * *
Q: What was the floor invented for?MT: To step on ants.
* * *
MT: A girl is frying eggs on her belly.Q: Doesn't she get burnt?MT: No.
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* * *
Q: Explain your idea about the "Planeta Sardina" (Sardina Planet).MT: Oh, easy... When you eat a lot of fish a planet starts to grow inside your paunch. That's the Sardina Planet.
* * *
Q: Do aliens exist?MT: No.Q: But haven't you seen them?MT: Yes I saw them, but they don't exist.
* * *
MT: Do you know why the grass is short?A: No.MT: Because it was long.
* * *
Q: What do you think: Did Hitler commit suicide or was he killed?MT: Eh...I don't know. He didn't tell me nothing.
* * *
Q: How many heavens are in heaven?MT: Noone.
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* * *
Talking about plants he said:MT: We should sow feet.Q: And what will grow there?MT: Voices.
* * *
MT: The sun is blocked by the clouds and the sun.
* * *
Q: Do you have blood?MT: No.Q: So what's there inside you?MT: Nothing.
* * *
Q: What does God wear?MT: God wears shorts and blue nappies.
* * *
Tomasin's definition of noise-music: 'It's music for teeth'.
* * *
* * *
Q: What were you like before you were born?MT: Bigger.
* * *
MT: Guitars inside my socks.
* * *
Q: Are you the Buddha?MT: No, single.
* * *
Q: Where does the sun go at night?MT: To the Octopuss.
* * *
MT: Ice cream-spaceship.
* * *
Q: Do you think we are your sons?MT: Yes and my grandsons and great-grandsons.
* * *
Q: What do you recommend for this week?MT: You have to eat, stand up, do what you have to do and then ... to sleep.Q: But what do you do when you get tired of this?MT: Ah.... I WAKE UP.
* * *
MT: Wind that blows birds.
* * *
Q: Where is the mind?Answer: (Miguel Tomasin comes and blows on my ear).
* * *
Q: What's this? (a pop can)MT: A head of seven heads.
* * *
Q: When is your birthday?MT: Every week.
* * *
* * *
Q: What is the Down's Syndrome?MT: A Fan Club.
* * *
Miguel watches a photo of Ayatollah Khomeini and says:'He has record-shape face'.
* * *
Q: Does freedom exist?MT: No.
* * *
Q: What is love?MT: Eh... I don't understand it.
* * *
Q: What is the Kharma?MT: It is for going to fish brains.
* * *
* * *
Q: Are you Miguel Tomasin?MT: No.Q: Who are you then?MT: I'm a human.Q: Are you the only human being?MT: Yes.Q: So can you tell us what the rest of the people is?MT: Handkerchiefs.
Tomasin's statement on a rainy day:'Jesus is sunbathing upstairs on the terrace'.
-- Buenos Aires. ARGENTINA. November 1998.
Una entrevista a Thomas Köner, es siempre bienvenida. Gracias al site del Sónar. Cut and Paste.
Entrevista a Thomas Köner para SonarOnline.
- Banlieue du Vide es una instalación basada en la utilización de material visual obtenido con cámaras de vigilancia. Sin embargo, su particularidad reside precisamente en la ausencia del objeto de dicha vigilancia. De hecho, la imagen parece una foto-fija. Explícanos en qué consiste este proyecto, sus motivaciones y la relación entre imagen y sonido que desarrolla la instalación.
Muchas de mis composiciones se basan, más que en la melodía o el movimiento armónico, en el soundcolour o color sonoro. Para mí, sin embargo, el soundcolour también está relacionado con el color en tanto que cualidad visual que cambia sutilmente a través del tiempo.
La escala de grises de la música (ruido de tráfico convertido en material compositivo, como granos de sonido) tiene su correspondencia en las imágenes en blanco y negro de las cámaras de vigilancia. Reuní estas imágenes durante un período de varios meses, y los lentos cambios del vídeo evocan este largo período de tiempo. El montaje de la instalación, con audio de 4 canales, me permite componer la música espacialmente, como una escultura que define un espacio. El efecto de la obra es una inmersión, así como una deceleración total.
- En tus orígenes profesionales eras ingeniero de sonido para películas. ¿Qué representa para ti ese bagaje y de qué manera crees que ha influido en tu trayectoria artística posterior?
Háblanos de tu trabajo como compositor de bandas sonoras en colaboración con artistas como Jürgen Reble o Yann, así como de proyectos como el realizado para el Museo de Louvre en Paris sobre cine mudo.
Estudié música en el conservatorio y, aparte de aprender a "escuchar", la experiencia no fue muy satisfactoria: demasiados instrumentos musicales, demasiada anotación, demasiadas partituras y apenas alguna mención al "sonido".
Me parecía mucho más interesante el mundo de la producción musical, de modo que tras acabar la escuela trabajé durante tres años en un estudio de post-producción.Allí aprendí muchas cosas sobre el sonido, tanto funcionales como abstractas: un enfoque analítico que acepta tanto los detalles más microscópicos como el entorno general.
Poder estudiar la relación entre imagen y sonido en un entorno comercial fue para mí una formación muy útil. Básicamente se trataba de combinar imagen y sonidos para hacerlos más realistas y aumentar su poder de manipulación. Fue entonces cuando sentí la necesidad de crear "audiovisuales" de modo que tanto la imagen como el sonido potenciaran toda su fuerza y toda su belleza.
Fue esto lo que motivó las actuaciones e instalaciones realizadas en colaboración con Jürgen Reble y Yann Beauvais.Me encanta eI cine mudo. Mi primer encargo me lo hizo el Auditórium del Louvre en 1994. Hasta hoy he compuesto muchas músicas para películas mudas para ese y para otros museos. Recientemente he estado trabajando en "Destiny", de Fritz Lang.
- A mediados del siglo XX, Pierre Schaeffer y la música concreta inauguraron una forma de trabajar el sonido que acercaba este campo a los procesos de montaje cinematográficos. Sin embargo, el propio Schaeffer se indignaba cuando alguien insistía en ver representaciones del mundo en sus producciones sonoras. Partiendo de tu experiencia y de la importancia que en tu trayectoria tiene la relación entre imagen y sonido, ¿qué es lo que más te interesa de esa relación? ¿Qué similitudes y diferencias existen entre sonido e imagen como material de experimentación?
Entre imagen y sonido no hay relación alguna. Implican a dos sentidos diferentes, y todo lo demás son convenciones y hábitos. Para desarrollar mi sensibilidad necesito aprender a ver y a escuchar.La relación entre imagen y sonido que impone la industria sólo consiste en la amplificación. El sonido tiene que amplificar la imagen o la narración. Como no confían en el poder de sus imágenes (¡adivine por qué!), necesitan más y más sonido, orquestas, sub-bajos, 4, 5, o hasta 8 canales.
En el corazón de toda esta inflación siempre hay falta de confianza y de calidad intrínseca.Es evidente que estoy intentando luchar contra la inflación. Es por esto que en todos mis trabajos siempre me atengo a la capacidad de atención concediendo a imagen y sonido el espacio que merecen. Al estirar al máximo la capacidad de atención puedo ver y oír las sutilezas y los detalles.Es como el estiramiento físico de los músculos: al igual que para los principiantes los estiramientos son dolorosos, a veces se dice que mis obras son aburridas.
Pero al mismo tiempo, este profundo aburrimiento puede ser una puerta a través de la cual uno entra en salas llenas de experiencias nunca vistas ni oídas.
- En los últimos años has estado compaginando tus proyectos en el campo de las instalaciones con numerosos conciertos. A pesar de ser campos diferentes, tus actuaciones en ambos siempre parecen requerir una implicación intensa por parte del espectador, una cierta inmersión. En tu opinión, ¿qué diferencias hay entre trabajar en el ámbito expositivo y trabajar sobre un escenario?
Trabajar sobre el escenario es un reto mayor. En una exposición, la obra de arte ya está categorizada, como un animal salvaje en una jaula.En un concierto siempre hay una cierta actitud general de pasarlo bien.
A mí me satisface crear una visión o desarrollar algo que vaya más allá. En los conciertos a veces tengo la impresión de que la gente no está muy interesada o que incluso está harta de "las artes". Aun así, en una situación más de club/ pequeño concierto la gente sigue manteniendo una mentalidad más abierta.
- Tu concierto en Sonarama, durante la última edición de Sónar, suscitó grandes elogios del público asistente. ¿Eres consciente del grado de aceptación que tus conciertos despiertan entre el público? Si lo eres, ¿afecta ello de algún modo al desarrollo del concierto? ¿Cómo funciona un concierto tuyo visto desde el escenario?
Un concierto no debería desarrollarse como una situación predeterminada. Todos los públicos son distintos; intento ser consciente de la situación y crear un espacio en el que mi tiempo y obra conecten con el tiempo de los demás: es algo más parecido a una invitación.No me importa si durante un concierto la gente entra o sale, si habla o si bebe. Si la gente está contenta, eso es algo que no puede destruirse. Y si no lo está, uno no puede arreglarlo cerrando las puertas durante el concierto.
- Y, para finalizar, ¿cuáles son tus próximos proyectos?
Este año estoy trabajando en nuevas instalaciones en Canadá, Corea y Taiwán. Estoy colaborando con la vídeo artista Eva Teppe en una obra que se presentará en ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid.Ahora mismo estoy trabajando en la música para la película muda "Urwaldsymphonie" (1931), que se presentará en el Centre Pompidou de París los días 12 y 13 de febrero.Y la próxima actuación en vivo en el marco de mi proyecto KONTAKT DER JUNGLINGE (en colaboración con Tietchens) tendrá lugar los días 4 y 5 de marzo La Casa Encendida, de Madrid.
Entrevista a Thomas Köner para SonarOnline.
- Banlieue du Vide es una instalación basada en la utilización de material visual obtenido con cámaras de vigilancia. Sin embargo, su particularidad reside precisamente en la ausencia del objeto de dicha vigilancia. De hecho, la imagen parece una foto-fija. Explícanos en qué consiste este proyecto, sus motivaciones y la relación entre imagen y sonido que desarrolla la instalación.
Muchas de mis composiciones se basan, más que en la melodía o el movimiento armónico, en el soundcolour o color sonoro. Para mí, sin embargo, el soundcolour también está relacionado con el color en tanto que cualidad visual que cambia sutilmente a través del tiempo.
La escala de grises de la música (ruido de tráfico convertido en material compositivo, como granos de sonido) tiene su correspondencia en las imágenes en blanco y negro de las cámaras de vigilancia. Reuní estas imágenes durante un período de varios meses, y los lentos cambios del vídeo evocan este largo período de tiempo. El montaje de la instalación, con audio de 4 canales, me permite componer la música espacialmente, como una escultura que define un espacio. El efecto de la obra es una inmersión, así como una deceleración total.
- En tus orígenes profesionales eras ingeniero de sonido para películas. ¿Qué representa para ti ese bagaje y de qué manera crees que ha influido en tu trayectoria artística posterior?
Háblanos de tu trabajo como compositor de bandas sonoras en colaboración con artistas como Jürgen Reble o Yann, así como de proyectos como el realizado para el Museo de Louvre en Paris sobre cine mudo.
Estudié música en el conservatorio y, aparte de aprender a "escuchar", la experiencia no fue muy satisfactoria: demasiados instrumentos musicales, demasiada anotación, demasiadas partituras y apenas alguna mención al "sonido".
Me parecía mucho más interesante el mundo de la producción musical, de modo que tras acabar la escuela trabajé durante tres años en un estudio de post-producción.Allí aprendí muchas cosas sobre el sonido, tanto funcionales como abstractas: un enfoque analítico que acepta tanto los detalles más microscópicos como el entorno general.
Poder estudiar la relación entre imagen y sonido en un entorno comercial fue para mí una formación muy útil. Básicamente se trataba de combinar imagen y sonidos para hacerlos más realistas y aumentar su poder de manipulación. Fue entonces cuando sentí la necesidad de crear "audiovisuales" de modo que tanto la imagen como el sonido potenciaran toda su fuerza y toda su belleza.
Fue esto lo que motivó las actuaciones e instalaciones realizadas en colaboración con Jürgen Reble y Yann Beauvais.Me encanta eI cine mudo. Mi primer encargo me lo hizo el Auditórium del Louvre en 1994. Hasta hoy he compuesto muchas músicas para películas mudas para ese y para otros museos. Recientemente he estado trabajando en "Destiny", de Fritz Lang.
- A mediados del siglo XX, Pierre Schaeffer y la música concreta inauguraron una forma de trabajar el sonido que acercaba este campo a los procesos de montaje cinematográficos. Sin embargo, el propio Schaeffer se indignaba cuando alguien insistía en ver representaciones del mundo en sus producciones sonoras. Partiendo de tu experiencia y de la importancia que en tu trayectoria tiene la relación entre imagen y sonido, ¿qué es lo que más te interesa de esa relación? ¿Qué similitudes y diferencias existen entre sonido e imagen como material de experimentación?
Entre imagen y sonido no hay relación alguna. Implican a dos sentidos diferentes, y todo lo demás son convenciones y hábitos. Para desarrollar mi sensibilidad necesito aprender a ver y a escuchar.La relación entre imagen y sonido que impone la industria sólo consiste en la amplificación. El sonido tiene que amplificar la imagen o la narración. Como no confían en el poder de sus imágenes (¡adivine por qué!), necesitan más y más sonido, orquestas, sub-bajos, 4, 5, o hasta 8 canales.
En el corazón de toda esta inflación siempre hay falta de confianza y de calidad intrínseca.Es evidente que estoy intentando luchar contra la inflación. Es por esto que en todos mis trabajos siempre me atengo a la capacidad de atención concediendo a imagen y sonido el espacio que merecen. Al estirar al máximo la capacidad de atención puedo ver y oír las sutilezas y los detalles.Es como el estiramiento físico de los músculos: al igual que para los principiantes los estiramientos son dolorosos, a veces se dice que mis obras son aburridas.
Pero al mismo tiempo, este profundo aburrimiento puede ser una puerta a través de la cual uno entra en salas llenas de experiencias nunca vistas ni oídas.
- En los últimos años has estado compaginando tus proyectos en el campo de las instalaciones con numerosos conciertos. A pesar de ser campos diferentes, tus actuaciones en ambos siempre parecen requerir una implicación intensa por parte del espectador, una cierta inmersión. En tu opinión, ¿qué diferencias hay entre trabajar en el ámbito expositivo y trabajar sobre un escenario?
Trabajar sobre el escenario es un reto mayor. En una exposición, la obra de arte ya está categorizada, como un animal salvaje en una jaula.En un concierto siempre hay una cierta actitud general de pasarlo bien.
A mí me satisface crear una visión o desarrollar algo que vaya más allá. En los conciertos a veces tengo la impresión de que la gente no está muy interesada o que incluso está harta de "las artes". Aun así, en una situación más de club/ pequeño concierto la gente sigue manteniendo una mentalidad más abierta.
- Tu concierto en Sonarama, durante la última edición de Sónar, suscitó grandes elogios del público asistente. ¿Eres consciente del grado de aceptación que tus conciertos despiertan entre el público? Si lo eres, ¿afecta ello de algún modo al desarrollo del concierto? ¿Cómo funciona un concierto tuyo visto desde el escenario?
Un concierto no debería desarrollarse como una situación predeterminada. Todos los públicos son distintos; intento ser consciente de la situación y crear un espacio en el que mi tiempo y obra conecten con el tiempo de los demás: es algo más parecido a una invitación.No me importa si durante un concierto la gente entra o sale, si habla o si bebe. Si la gente está contenta, eso es algo que no puede destruirse. Y si no lo está, uno no puede arreglarlo cerrando las puertas durante el concierto.
- Y, para finalizar, ¿cuáles son tus próximos proyectos?
Este año estoy trabajando en nuevas instalaciones en Canadá, Corea y Taiwán. Estoy colaborando con la vídeo artista Eva Teppe en una obra que se presentará en ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid.Ahora mismo estoy trabajando en la música para la película muda "Urwaldsymphonie" (1931), que se presentará en el Centre Pompidou de París los días 12 y 13 de febrero.Y la próxima actuación en vivo en el marco de mi proyecto KONTAKT DER JUNGLINGE (en colaboración con Tietchens) tendrá lugar los días 4 y 5 de marzo La Casa Encendida, de Madrid.
08 enero 2005
28 octubre 2004
ayer tocó minexio x. canal 7. una de la mañana.
viene kraftwerk. y allá. brian wilson.
viene la gran visita del año Toe Boe. ojo con pita. noisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoise.
por si todo esto es poco. viene vera baxter. desde rosario al museo de arte moderno. mamba.
y como. todo es tan dulce. este documental. curado por sergio. recuerden. cine. cinematógrafo.
Recordatorio: diferente al resto de los domingos, por estar fuera de programación, esta vez será a las 16 hs.
Domingo 31, 16 hs.
Tom Hovinbole
“Nor Noise” (Noruega, 115 minutos)
Documental que cuestiona y reformula al noise, ¿el ruido es música? Realizado a través de entrevistas a los músicos Otomo Yoshihide, Merzbow (Masami Akita), Tore H. Bøe, Franscisco López, Helge Sten, Maja Ratkje, entre otros. A partir de estas entrevistas se cubren los aspectos históricos, estéticos y técnicos del noise, profundizados a través del registro de conciertos en vivo.
y este festival va dedicado a todo el público del personal fest. el público de los cien pesos.
DECIBEL FESTIVAL
>>CHELA
>>Iguazú 451 (Parque Patricios)
>>Buenos Aires
>>Argentina
>>
>>29 de Octubre (21hs):
>>
>>JAZZKAMMER (Noruega)
>>SIR DUPERMANN (Noruega)
>>TORE H. BOE (Noruega)
>>NELSON GASTALDI (Argentina)
>>
>>30 de Octubre (21 hs):
>>
>>LASSE MARHAUG (Noruega)
>>JOHN HEGRE (Noruega)
>>THE GOLDEN SERENADES (Noruega)
>>MINEXIO X (Argentina)
>>ORIGAMI REPUBLIKA JAM (Noruega-Argentina)
>>
>>Lunes 1 de Noviembre (20 Hs.)
>>Charla Conferencia con
>>LASSE MARHAUG, JOHN HEGRE & JORGEN TRAEEN
>>
>>también se proyectaran videos de
>>ERIK BUNGER (Suecia)
>>TOM LOBERG (Noruega)
>>
>>
>>-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
>>
>>LASSE MARHAUG es sin lugar a dudas una de las principales figuras
>>de la escena noruega. Considerado por muchos como el "rey del noise
>>nórdico" ha editado más de cien discos y realizado extensas giras
>>por Europa, Asia y América. A parte de su trabajo solista Marhaug
>>tiene diversos proyectos como Jazzkammer, Del, The Nordic Miracle,
>>Rishaug Marhaug y anteriormente participó en Origami Replika y
>>Lasse Marhaug Band. Es también el fundador del sello Jazzassin y ha
>>realizado innumerable colaboraciones con artistas como: Merzbow,
>>Otomo Yoshihide, Aube, Kapotte Muziek, Sachiko M, Taku Sugimoto,
>>Kevin Drumm, Mats Gustafsson, Fe-Mail, Leif Elggren, Maja Ratkje,
>>Frode Gjerstad. Tambien ha compuesto música para teatro, danza y
>>video.
>>
>>JOHN HEGRE tomó primeramente notoriedad en la escena noruega con el
>>grupo de improvisación Der Brief y luego por su trabajo tanto con
>>Kaptein Kaliber, The Golden Serenades y Jazzkammer. También
>>participó en el ábum "Something is Like Nothing Was" de Monopot,
>>nominado al Grammy noruego. Si bien Hegre es guitarrista de
>>formación, en los últimos años decidió dedicarse principalmente a
>>los instrumentos electrónicos. Tambien trabajó con el grupo de
>>teatro Krement X. Ha editado discos en colaboración en sellos como
>>Ohm Records y Authorized Versión, y recientemente editó como
>>solista "A nice place to leave" en el sello alemán Dekorder.
JAZZKAMMER es desde 1999 el proyecto de Lasse Marhaug y John Hegre
dedicado a la experimentación con laptops y diversas fuentes
sonoras. Han editado discos en sellos de prestigio como Rune
Gramophon, Groundfault, SmallTown SuperSound, Ohm, Bottrop-Boy,
Tonschacht, etc. Han realizado colaboraciones con numerosos
artistas incluyendo entre otros a Merzbow, Thurston Moore, Pita,
Zbigniew Karkowsky, TV Pow, y al videasta H.C. Gilje. Se han
presentado extensamente en Europa, EEUU y Japón llegando a tocar
también en Singapur. También fueron co-productores del album
"Voice" de Maja Ratkje premiado en el Prix Ars Electronica
(Austria)
SIR DUPERMANN es el proyecto solista de Jorgen Traeen conocido
productor de la escena noruega. Traeen ha producido en su propio
estudio a importantes grupos como: Jaga Jazzist, Magnet, Monopot &
Sondre Lerche. En el 2002 comenzó su carrera solista editado el CD
titulado simplemente "Sir Dupermann" en el renombrado sello
SmallTown SuperSound y recientemente "Duperkammer" en colaboración
con Jazzkammer.
THE GOLDEN SERENADES es el proyecto conjunto de John Hagre y Jorgen
Traeen. Han editado "Super Cheap one Dollar" y recientemente "II"
en el sello norteamericano Gameboy Records. Tambien tienen material
varias compilaciones, incluyendo el reciente DVD/CD "Nor-Noise"
editado por Ohm Records y Pastiche Films.
TORE H. BOE es un importante referente de la escena noruega. Desde
1990 es coordinador del proyecto Origami Republika que nuclea a mas
de cien artistas de todo el mundo. Ha editado discos en importantes
sellos como Staalplaat, Safe as Milk, Purple Soil, Humbug,
Jazzassin, etc. y ha tocado en Europa, USA y Canada. A parte de su
labor como solista participa en varios proyectos como The Nordic
Miracle, Origami Arktika, KA, Origami Kalima & Tacet NCV. Ha
realizado colaboraciones con: Michael Gira, Man Manly, Guido
Hübner (Das Synthetische Mischgewebe), Eric Cordier, Francisco
López, PBK, Roel Meelkop, Schtimm, Smell & Quim,y ha realizado
varias giras como número soporte de Einstürzende Neubauten.
Actualmente reside en las Islas Canarias.
NELSON GASTALDI nacio en 1932 alrededor de Gibraltar, en un barco
de bandera estoniana y al poco tiempo su familia se radicó en la
Argentina. En su juventud viajó a Europa donde se desarrolló como
artista plástico. A su vuelta en Buenos Aires, cursó estudios
musicales y comenzó sus experimentos sonoros en los que utilizaba
objetos como: trompos, muebles, cuerdas de goma y tubos de
aspiradora. Al margen de toda escuela o movimiento, Gastaldi generó
singulares composiciones incluyendo: Diez Sinfonías, varias Suites
y una Opera. Sin bien su obra es hasta el momento completamente inédita y desconocida, en breve se editará un reportaje en la
revista norteamericana Bananafish, con un CD que incluye un
extracto de su 3era Sinfonía "Siddhartha Gautama o El Poder de la
Nada". Gastaldi tocará por primera vez en vivo en el Decibel
Festival.
MINEXIO X es un proyecto de improvisación colectiva con
instrumentos eléctricos, acústicos, autóctonos y no-instrumentos
que comenzó sus actividades hacia el año 2002. El grupo se presenta
oficialmente en vivo este año y está integrado por: Fernando
Perales, Charly Zaragoza, Christian Lyardet, Rino Cejas, Willy
Heffernan, Charly Canelo, Patricio Conlazo, Roberto Conlazo y Alan
Courtis. El colectivo nuclea a varios ex-integrantes del grupo
Reynols, banda con mas de cien discos editados en todo el mundo en
numerosos sellos de EEUU, Europa, Japón y Nueva Zelanda. Minexio
viene de realizar una Gira Europea tocando en ciudades de Alemania
y Suiza, y han editado recientemente su primer trabajo "Vida
Psíquica de los Caracoles".
viene kraftwerk. y allá. brian wilson.
viene la gran visita del año Toe Boe. ojo con pita. noisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoisenoise.
por si todo esto es poco. viene vera baxter. desde rosario al museo de arte moderno. mamba.
y como. todo es tan dulce. este documental. curado por sergio. recuerden. cine. cinematógrafo.
Recordatorio: diferente al resto de los domingos, por estar fuera de programación, esta vez será a las 16 hs.
Domingo 31, 16 hs.
Tom Hovinbole
“Nor Noise” (Noruega, 115 minutos)
Documental que cuestiona y reformula al noise, ¿el ruido es música? Realizado a través de entrevistas a los músicos Otomo Yoshihide, Merzbow (Masami Akita), Tore H. Bøe, Franscisco López, Helge Sten, Maja Ratkje, entre otros. A partir de estas entrevistas se cubren los aspectos históricos, estéticos y técnicos del noise, profundizados a través del registro de conciertos en vivo.
y este festival va dedicado a todo el público del personal fest. el público de los cien pesos.
DECIBEL FESTIVAL
>>CHELA
>>Iguazú 451 (Parque Patricios)
>>Buenos Aires
>>Argentina
>>
>>29 de Octubre (21hs):
>>
>>JAZZKAMMER (Noruega)
>>SIR DUPERMANN (Noruega)
>>TORE H. BOE (Noruega)
>>NELSON GASTALDI (Argentina)
>>
>>30 de Octubre (21 hs):
>>
>>LASSE MARHAUG (Noruega)
>>JOHN HEGRE (Noruega)
>>THE GOLDEN SERENADES (Noruega)
>>MINEXIO X (Argentina)
>>ORIGAMI REPUBLIKA JAM (Noruega-Argentina)
>>
>>Lunes 1 de Noviembre (20 Hs.)
>>Charla Conferencia con
>>LASSE MARHAUG, JOHN HEGRE & JORGEN TRAEEN
>>
>>también se proyectaran videos de
>>ERIK BUNGER (Suecia)
>>TOM LOBERG (Noruega)
>>
>>
>>-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
>>
>>LASSE MARHAUG es sin lugar a dudas una de las principales figuras
>>de la escena noruega. Considerado por muchos como el "rey del noise
>>nórdico" ha editado más de cien discos y realizado extensas giras
>>por Europa, Asia y América. A parte de su trabajo solista Marhaug
>>tiene diversos proyectos como Jazzkammer, Del, The Nordic Miracle,
>>Rishaug Marhaug y anteriormente participó en Origami Replika y
>>Lasse Marhaug Band. Es también el fundador del sello Jazzassin y ha
>>realizado innumerable colaboraciones con artistas como: Merzbow,
>>Otomo Yoshihide, Aube, Kapotte Muziek, Sachiko M, Taku Sugimoto,
>>Kevin Drumm, Mats Gustafsson, Fe-Mail, Leif Elggren, Maja Ratkje,
>>Frode Gjerstad. Tambien ha compuesto música para teatro, danza y
>>video.
>>
>>JOHN HEGRE tomó primeramente notoriedad en la escena noruega con el
>>grupo de improvisación Der Brief y luego por su trabajo tanto con
>>Kaptein Kaliber, The Golden Serenades y Jazzkammer. También
>>participó en el ábum "Something is Like Nothing Was" de Monopot,
>>nominado al Grammy noruego. Si bien Hegre es guitarrista de
>>formación, en los últimos años decidió dedicarse principalmente a
>>los instrumentos electrónicos. Tambien trabajó con el grupo de
>>teatro Krement X. Ha editado discos en colaboración en sellos como
>>Ohm Records y Authorized Versión, y recientemente editó como
>>solista "A nice place to leave" en el sello alemán Dekorder.
JAZZKAMMER es desde 1999 el proyecto de Lasse Marhaug y John Hegre
dedicado a la experimentación con laptops y diversas fuentes
sonoras. Han editado discos en sellos de prestigio como Rune
Gramophon, Groundfault, SmallTown SuperSound, Ohm, Bottrop-Boy,
Tonschacht, etc. Han realizado colaboraciones con numerosos
artistas incluyendo entre otros a Merzbow, Thurston Moore, Pita,
Zbigniew Karkowsky, TV Pow, y al videasta H.C. Gilje. Se han
presentado extensamente en Europa, EEUU y Japón llegando a tocar
también en Singapur. También fueron co-productores del album
"Voice" de Maja Ratkje premiado en el Prix Ars Electronica
(Austria)
SIR DUPERMANN es el proyecto solista de Jorgen Traeen conocido
productor de la escena noruega. Traeen ha producido en su propio
estudio a importantes grupos como: Jaga Jazzist, Magnet, Monopot &
Sondre Lerche. En el 2002 comenzó su carrera solista editado el CD
titulado simplemente "Sir Dupermann" en el renombrado sello
SmallTown SuperSound y recientemente "Duperkammer" en colaboración
con Jazzkammer.
THE GOLDEN SERENADES es el proyecto conjunto de John Hagre y Jorgen
Traeen. Han editado "Super Cheap one Dollar" y recientemente "II"
en el sello norteamericano Gameboy Records. Tambien tienen material
varias compilaciones, incluyendo el reciente DVD/CD "Nor-Noise"
editado por Ohm Records y Pastiche Films.
TORE H. BOE es un importante referente de la escena noruega. Desde
1990 es coordinador del proyecto Origami Republika que nuclea a mas
de cien artistas de todo el mundo. Ha editado discos en importantes
sellos como Staalplaat, Safe as Milk, Purple Soil, Humbug,
Jazzassin, etc. y ha tocado en Europa, USA y Canada. A parte de su
labor como solista participa en varios proyectos como The Nordic
Miracle, Origami Arktika, KA, Origami Kalima & Tacet NCV. Ha
realizado colaboraciones con: Michael Gira, Man Manly, Guido
Hübner (Das Synthetische Mischgewebe), Eric Cordier, Francisco
López, PBK, Roel Meelkop, Schtimm, Smell & Quim,y ha realizado
varias giras como número soporte de Einstürzende Neubauten.
Actualmente reside en las Islas Canarias.
NELSON GASTALDI nacio en 1932 alrededor de Gibraltar, en un barco
de bandera estoniana y al poco tiempo su familia se radicó en la
Argentina. En su juventud viajó a Europa donde se desarrolló como
artista plástico. A su vuelta en Buenos Aires, cursó estudios
musicales y comenzó sus experimentos sonoros en los que utilizaba
objetos como: trompos, muebles, cuerdas de goma y tubos de
aspiradora. Al margen de toda escuela o movimiento, Gastaldi generó
singulares composiciones incluyendo: Diez Sinfonías, varias Suites
y una Opera. Sin bien su obra es hasta el momento completamente inédita y desconocida, en breve se editará un reportaje en la
revista norteamericana Bananafish, con un CD que incluye un
extracto de su 3era Sinfonía "Siddhartha Gautama o El Poder de la
Nada". Gastaldi tocará por primera vez en vivo en el Decibel
Festival.
MINEXIO X es un proyecto de improvisación colectiva con
instrumentos eléctricos, acústicos, autóctonos y no-instrumentos
que comenzó sus actividades hacia el año 2002. El grupo se presenta
oficialmente en vivo este año y está integrado por: Fernando
Perales, Charly Zaragoza, Christian Lyardet, Rino Cejas, Willy
Heffernan, Charly Canelo, Patricio Conlazo, Roberto Conlazo y Alan
Courtis. El colectivo nuclea a varios ex-integrantes del grupo
Reynols, banda con mas de cien discos editados en todo el mundo en
numerosos sellos de EEUU, Europa, Japón y Nueva Zelanda. Minexio
viene de realizar una Gira Europea tocando en ciudades de Alemania
y Suiza, y han editado recientemente su primer trabajo "Vida
Psíquica de los Caracoles".
11 agosto 2004
Seguimos contribuyendo al servicio, servicio del conocimiento.
Disco informa.
SYNDROME
Ciclo mensual de cine/video experimental, cine de culto, y puestas audiovisuales.
Nuevamente Syndrome propone la visión de material único, nunca visto en Rosario, con una selección de joyas imperdibles.
Seguimos con algunos de nuestros realizadores favoritos (Guy Maddin y Los hermanos Quay), y presentamos a Bruce Conner, y por primera vez a una figura extraña convertida en objeto de culto en todo el mundo: Alejandro Jodorowsky.
¿Quién es Alejandro Jodorowsky?
En principio una figura enigmática, de nombre completo Alejandro Jodorowsky Prullansky, hijo de emigrados rusos nacido en Chile en 1929. Cineasta maldito, escritor, filósofo, actor, guionista de comics (junto Moebius), marionetista, mimo (junto a Marcel Marceau), dibujante, maestro de Tarot, poeta, y practicante de psicomagia. Además se lo recuerda como precursor de los happenings, y como fundador del Teatro Pánico, en el que utilizaba animales descuartizados y sangre para provoca el shock del público. A los 23 años abandonó Chile para radicarse en París, en los años 70 viaja a México y realiza allí sus primeras películas calificadas de vanguardistas e incomprensibles. Actualmente, convertido en figura de culto en Europa, vive nuevamente en París, donde cada miércoles, en el Cabaret Mysthique, un bar de esa ciudad, cerca de 200 personas lo escuchan hablar de tarot y psicomagia.
Su filmografía, compuesta por cuatro películas propias y una por encargo, es una catálogo infernal de rarezas y fantasías exuberantes, de una atípica belleza y de un mal gusto deliberado y provocador. Ligadas a lo más cáustico del surrealismo cinematográfico, sus films hacen gala de una libertad apabullante, de una imaginería alucinada e inagotable, y de una elaborada conformación visual plagada de símbolos oscuros y espacios enrarecidos.
Pocas películas, como las de Jodorwsky, marcan en la memoria del espectador imágenes o situaciones de forma tan clara. Nadie que haya visto "El Topo" podrá olvidar el estallido de la montaña y la salida de los enanos, ni quien haya visto "Santa Sangre" podrá borrarse la imagen de la madre sin brazos utilizando los de su hijo demente para tocar el piano y perpetrar sus crímenes. "La montaña sagrada", aún mas que aquellas y ahora casi en clave humorística, es una catarata permanente de bellas atrocidades, de furiosa poesía, y de misticismo delirante.
La montaña sagrada (1973, 110 min.)
Segundo largometraje de Jodorowsky, filmado en México. Una celebración desmesurada del surrealismo más salvaje, de lo grotesco, y de la belleza de lo extraño. La incontrolable imaginería del realizador chileno da forma en este film único a un viaje alucinatorio, un trayecto místico en pos de la inmortalidad que destruye todo a su paso con brutal ironía. Desde el inicio con el émulo de Cristo atravesando bizarros espacios y situaciones de carga sacrílega, los episodios se suceden sin dar respiro, conformando a su paso un universo desquiciado que maravilla en cada imagen con su rara mezcla de fealdad y belleza.
La historia, si es que pudiera hablarse de una en términos convencionales, es la de este émulo de Cristo al que guía espiritual le presenta seis deidades, cada de las cuales reina en un planeta del sistema solar. Una vez presentado cada uno de estos extraños personajes, juntos emprenderán la búsqueda de la Montaña Sagrada en la cual se encuentra el secreto de la inmortalidad.
ADEMAS:
LO ÚLTIMO DE LA MARAVILLA CANADIENSE, GUY MADDIN: TRES CORTOS DE SU INCREÍBLE FACTORÍA ESTÉTICA. DOS DE ELLOS DEL 2004. "SOMBRA DOLOROSA", EL DE MAS RECIENTE FACTURA, OTRA OBRA MAESTRA QUE SE SUMA A SU FILMOGRAFÍA.
LOS HNOS QUAY CON SU SINIESTRA Y CLAUSTROFÓBICA BELLEZA ANIMADA. TRES CORTOS FUNDAMENTALES DE SU FIMOGRAFÍA.
RETROSPECTIVA PARCIAL DE BRUCE CONNER, CINCO FILMS DE UN ARTISTA MÍTICO, UN ALQUIMISTA QUE TRANSFORMA MATERIAL DE ARCHIVO EN VISIONES ÚNICAS.
Y TAMBIÉN:
VERA BAXTER CON UNA MINI PUESTA AUDIOVISUAL, UNA INTERVENCIÓN SOBRE UNA DE LAS OBRAS DE BRUCE CONNER CON MÚSICA EN VIVO.
Y LA PRESENTACIÓN OFICIAL DE HAUSER, UNA RAREZA ROSARINA QUE COMBINA MÚSICA ELECTRÓNICA CON UN PARTICULAR CONCEPTO VISUAL.
MAS INFORMACIÓN EN UN PRÓXIMO BOLETÍN
MIÉRCOLES 11 Y JUEVES 12 DE AGOSTO. 20 hs.
SUM (1er piso del CEC). Sgto Cabral y el río.
Entrada: $2
ORGANIZAN: VERA BAXTER Y C.A.R.
AUSPICIA: BUSQUEDAS.NET
Disco informa.
SYNDROME
Ciclo mensual de cine/video experimental, cine de culto, y puestas audiovisuales.
Nuevamente Syndrome propone la visión de material único, nunca visto en Rosario, con una selección de joyas imperdibles.
Seguimos con algunos de nuestros realizadores favoritos (Guy Maddin y Los hermanos Quay), y presentamos a Bruce Conner, y por primera vez a una figura extraña convertida en objeto de culto en todo el mundo: Alejandro Jodorowsky.
¿Quién es Alejandro Jodorowsky?
En principio una figura enigmática, de nombre completo Alejandro Jodorowsky Prullansky, hijo de emigrados rusos nacido en Chile en 1929. Cineasta maldito, escritor, filósofo, actor, guionista de comics (junto Moebius), marionetista, mimo (junto a Marcel Marceau), dibujante, maestro de Tarot, poeta, y practicante de psicomagia. Además se lo recuerda como precursor de los happenings, y como fundador del Teatro Pánico, en el que utilizaba animales descuartizados y sangre para provoca el shock del público. A los 23 años abandonó Chile para radicarse en París, en los años 70 viaja a México y realiza allí sus primeras películas calificadas de vanguardistas e incomprensibles. Actualmente, convertido en figura de culto en Europa, vive nuevamente en París, donde cada miércoles, en el Cabaret Mysthique, un bar de esa ciudad, cerca de 200 personas lo escuchan hablar de tarot y psicomagia.
Su filmografía, compuesta por cuatro películas propias y una por encargo, es una catálogo infernal de rarezas y fantasías exuberantes, de una atípica belleza y de un mal gusto deliberado y provocador. Ligadas a lo más cáustico del surrealismo cinematográfico, sus films hacen gala de una libertad apabullante, de una imaginería alucinada e inagotable, y de una elaborada conformación visual plagada de símbolos oscuros y espacios enrarecidos.
Pocas películas, como las de Jodorwsky, marcan en la memoria del espectador imágenes o situaciones de forma tan clara. Nadie que haya visto "El Topo" podrá olvidar el estallido de la montaña y la salida de los enanos, ni quien haya visto "Santa Sangre" podrá borrarse la imagen de la madre sin brazos utilizando los de su hijo demente para tocar el piano y perpetrar sus crímenes. "La montaña sagrada", aún mas que aquellas y ahora casi en clave humorística, es una catarata permanente de bellas atrocidades, de furiosa poesía, y de misticismo delirante.
La montaña sagrada (1973, 110 min.)
Segundo largometraje de Jodorowsky, filmado en México. Una celebración desmesurada del surrealismo más salvaje, de lo grotesco, y de la belleza de lo extraño. La incontrolable imaginería del realizador chileno da forma en este film único a un viaje alucinatorio, un trayecto místico en pos de la inmortalidad que destruye todo a su paso con brutal ironía. Desde el inicio con el émulo de Cristo atravesando bizarros espacios y situaciones de carga sacrílega, los episodios se suceden sin dar respiro, conformando a su paso un universo desquiciado que maravilla en cada imagen con su rara mezcla de fealdad y belleza.
La historia, si es que pudiera hablarse de una en términos convencionales, es la de este émulo de Cristo al que guía espiritual le presenta seis deidades, cada de las cuales reina en un planeta del sistema solar. Una vez presentado cada uno de estos extraños personajes, juntos emprenderán la búsqueda de la Montaña Sagrada en la cual se encuentra el secreto de la inmortalidad.
ADEMAS:
LO ÚLTIMO DE LA MARAVILLA CANADIENSE, GUY MADDIN: TRES CORTOS DE SU INCREÍBLE FACTORÍA ESTÉTICA. DOS DE ELLOS DEL 2004. "SOMBRA DOLOROSA", EL DE MAS RECIENTE FACTURA, OTRA OBRA MAESTRA QUE SE SUMA A SU FILMOGRAFÍA.
LOS HNOS QUAY CON SU SINIESTRA Y CLAUSTROFÓBICA BELLEZA ANIMADA. TRES CORTOS FUNDAMENTALES DE SU FIMOGRAFÍA.
RETROSPECTIVA PARCIAL DE BRUCE CONNER, CINCO FILMS DE UN ARTISTA MÍTICO, UN ALQUIMISTA QUE TRANSFORMA MATERIAL DE ARCHIVO EN VISIONES ÚNICAS.
Y TAMBIÉN:
VERA BAXTER CON UNA MINI PUESTA AUDIOVISUAL, UNA INTERVENCIÓN SOBRE UNA DE LAS OBRAS DE BRUCE CONNER CON MÚSICA EN VIVO.
Y LA PRESENTACIÓN OFICIAL DE HAUSER, UNA RAREZA ROSARINA QUE COMBINA MÚSICA ELECTRÓNICA CON UN PARTICULAR CONCEPTO VISUAL.
MAS INFORMACIÓN EN UN PRÓXIMO BOLETÍN
MIÉRCOLES 11 Y JUEVES 12 DE AGOSTO. 20 hs.
SUM (1er piso del CEC). Sgto Cabral y el río.
Entrada: $2
ORGANIZAN: VERA BAXTER Y C.A.R.
AUSPICIA: BUSQUEDAS.NET
06 agosto 2004
Ciclo de cine
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350
Entrada Libre, 18 hs.
Programación de agosto:
Domingo 8 de Agosto
Artavazd Pelechian I
Documentalista experimental único. Único por la forma poética en que realiza sus films, por el lenguaje cinematográfico que utiliza y por cómo nos revela el mundo. Para Pelechian, la Naturaleza es un lazo que une a todos los seres. Sus films, mediante su mejor herramienta (el montaje), revelan la conciencia humana a través de una doble simbiosis, la de imagen-sonido, que permite explorar la simbiosis Hombre-Naturaleza.
"Natchalo" ("El principio", Armenia, 1967, 8 min)
Film realizado a través de imágenes de archivo dedicado al 50º aniversario de la Revolución de Octubre.
"Menk ou my" ("Nosotros", Armenia, 1969, 24 min)
Film realizado a partir de las imágenes de los Archivos Centrales de Estado y de Estudio de films documentales de Erevan. Este film ganó el gran premio del festival de Oberhausen en 1970.
"Obitateli ou Bnakitchnère" (« Los habitantes », URSS, 1970, 8 min)
Pelechian plantea un film de enfrentamientos. El de las manifestaciones de la naturaleza, y de cómo el hombre interactúa en ella; el enfrentamiento entre dos tipos de montaje, y el enfrentamiento sonoro.
Lo bello y lo feo.
La contemplación (lo bello) y la influencia de Pelechian con respecto a la manipulación del tiempo y el sonido (duración de tomas largas y música armónica), sitúa una mirada, en este momento, en estado de gracia. La interacción del hombre en la naturaleza (lo feo), los planos acortados y los sonidos naturales sincrónicos, nos aleja del hábitat deseado en un principio.
« Tarva Yeghanaknère ou Vremena goda » (Armenia, 1972, 29 min)
Escenas de trabajo y sobrevivencia en el campo, dónde la mirada de Pelechian, por momentos, pareciera transparente.
Domingo 15 de Agosto
Artavazd Pelechian II
« Nas vek ou Mer dare » (« Nuestro Siglo », Armenia, 1982, 50 min)
Reflexión iconográfica sobre el siglo XX, realizada a través de material de archivo del cosmos, la luna, y las partidas. Los films de Pelechian, comienzan a incluir una temática de la nostalgia.
« Konec » (« Fin », Armenia, 1992, 8 min)
Un tren avanza hacia el fin. Pelechian y su cámara se hacen invisibles para captar los rostros de los pasajeros que emigran hacia Moscú. Algo que comienza. Un viaje que transcurre. Algo que finaliza.
« Zizn’ » (« Vida », Armenia, 1993, 6 min)
"Vida" trae consigo el nacimiento del color en los films de Pelechian. Su mirada, esta vez, se centra en la figura de una mujer en la sala de parto.
Domingo 22 de Agosto
Alejandro Jodorowsky
Componente del Grupo Pánico, guionista de cómics, gurú del Café Mystique de París, cabalista, tarotista, escritor, psicomago, y director de cine, entre otras cosas, Jodorowsky, (influenciado por las obras de Buñuel y Fellini), nos ofrece el surrealismo contemporáneo.
"The holy mountain" ("La montaña sagrada", 1973, 110 min)
Jodorowsky dirige esta película que incluye el simbolismo más surrealista y grotesco jamás mostrado en celuloide. Nueve de los políticos e industriales más poderosos del planeta desean obtener la inmortalidad. Un alquimista les habla de la montaña sagrada de la Isla de Lotus, donde habitan nueve seres inmortales. El Alquimista inicia una peregrinación, llevando a cabo numerosos ejercicios espirituales y visitando a muchos maestros hasta que consiguen la sabiduría. En la película distintos dioses relatan cómo es la vida en sus planetas. El Alquimista es el mismo Jodorowsky.
Auspicia Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
www.aamamba.org.ar
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350
Entrada Libre, 18 hs.
Programación de agosto:
Domingo 8 de Agosto
Artavazd Pelechian I
Documentalista experimental único. Único por la forma poética en que realiza sus films, por el lenguaje cinematográfico que utiliza y por cómo nos revela el mundo. Para Pelechian, la Naturaleza es un lazo que une a todos los seres. Sus films, mediante su mejor herramienta (el montaje), revelan la conciencia humana a través de una doble simbiosis, la de imagen-sonido, que permite explorar la simbiosis Hombre-Naturaleza.
"Natchalo" ("El principio", Armenia, 1967, 8 min)
Film realizado a través de imágenes de archivo dedicado al 50º aniversario de la Revolución de Octubre.
"Menk ou my" ("Nosotros", Armenia, 1969, 24 min)
Film realizado a partir de las imágenes de los Archivos Centrales de Estado y de Estudio de films documentales de Erevan. Este film ganó el gran premio del festival de Oberhausen en 1970.
"Obitateli ou Bnakitchnère" (« Los habitantes », URSS, 1970, 8 min)
Pelechian plantea un film de enfrentamientos. El de las manifestaciones de la naturaleza, y de cómo el hombre interactúa en ella; el enfrentamiento entre dos tipos de montaje, y el enfrentamiento sonoro.
Lo bello y lo feo.
La contemplación (lo bello) y la influencia de Pelechian con respecto a la manipulación del tiempo y el sonido (duración de tomas largas y música armónica), sitúa una mirada, en este momento, en estado de gracia. La interacción del hombre en la naturaleza (lo feo), los planos acortados y los sonidos naturales sincrónicos, nos aleja del hábitat deseado en un principio.
« Tarva Yeghanaknère ou Vremena goda » (Armenia, 1972, 29 min)
Escenas de trabajo y sobrevivencia en el campo, dónde la mirada de Pelechian, por momentos, pareciera transparente.
Domingo 15 de Agosto
Artavazd Pelechian II
« Nas vek ou Mer dare » (« Nuestro Siglo », Armenia, 1982, 50 min)
Reflexión iconográfica sobre el siglo XX, realizada a través de material de archivo del cosmos, la luna, y las partidas. Los films de Pelechian, comienzan a incluir una temática de la nostalgia.
« Konec » (« Fin », Armenia, 1992, 8 min)
Un tren avanza hacia el fin. Pelechian y su cámara se hacen invisibles para captar los rostros de los pasajeros que emigran hacia Moscú. Algo que comienza. Un viaje que transcurre. Algo que finaliza.
« Zizn’ » (« Vida », Armenia, 1993, 6 min)
"Vida" trae consigo el nacimiento del color en los films de Pelechian. Su mirada, esta vez, se centra en la figura de una mujer en la sala de parto.
Domingo 22 de Agosto
Alejandro Jodorowsky
Componente del Grupo Pánico, guionista de cómics, gurú del Café Mystique de París, cabalista, tarotista, escritor, psicomago, y director de cine, entre otras cosas, Jodorowsky, (influenciado por las obras de Buñuel y Fellini), nos ofrece el surrealismo contemporáneo.
"The holy mountain" ("La montaña sagrada", 1973, 110 min)
Jodorowsky dirige esta película que incluye el simbolismo más surrealista y grotesco jamás mostrado en celuloide. Nueve de los políticos e industriales más poderosos del planeta desean obtener la inmortalidad. Un alquimista les habla de la montaña sagrada de la Isla de Lotus, donde habitan nueve seres inmortales. El Alquimista inicia una peregrinación, llevando a cabo numerosos ejercicios espirituales y visitando a muchos maestros hasta que consiguen la sabiduría. En la película distintos dioses relatan cómo es la vida en sus planetas. El Alquimista es el mismo Jodorowsky.
Auspicia Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
www.aamamba.org.ar
27 julio 2004
Disco difunde, más, cinematógrafo.
Programación del Domingo 1º de agosto, 18 hs. Entrada libre.
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350)
Stan Brakhage
Stan Brakhage fue, sin lugar a dudas, el elemento más sólido surgido del "New American Cinema". Su obra, casi muda en su totalidad, se constituye a través de la música visual ("recrear la visión con los ojos cerrados" manifestaba).
Sus films se extienden desde el registro de hechos cotidianos y su reconstrucción poética a través de montajes vertiginosos, a la intervención sobre el soporte fílmico pintado a mano o rayado.
"Empezaré por afirmar que Brakhage es uno de los cuatro o cinco artistas más auténticos trabajando en el cine actualmente, y quizá el realizador más original hoy en América. El trabajo de Brakhage es un cine mucho más avanzado, más verdadero, un cine con mayúscula y/o minúscula, un cine de autor, un cine personal superior al cine de Hiroshima, mon amour, por ejemplo. Si se habla de la verdadera creación personal, de la verdadera experimentación, de la que es también una profunda experiencia de arte, tenemos que hablar no sólo de Resnais o de Antonioni, sino, y quizá sobre todo, del trabajo de Stan Brakhage. Un paisaje, una cara, una mancha de luz, todo cambia bajo los ojos para convertirse en algo más, en una esencia de sí mismo, al servicio de su visión personal" Jonas Mekas
A partir de 1958, Brakhage, al casarse con Jane, establece un tipo de cine familiar donde los protagonistas son alternativamente sus hijos, su mujer, su gato y su perro. La vida en común, las discusiones, el sexo, el parto, son elementos interconexionados quedando reflejados en los siguientes trabajos:
"Desist film" (1954, 7 min)
"Cat’s cradle" (1959, 6 min)
"Wedlock house, an intercourse" (1959, 11 min)
"Window water baby moving" (1959, 12 min)
"I dreaming" (1988, 7 min)
"Crack glass eulogy" (1991, 6 min)
"Kindering" (1987, 3 min)
"Stars are beautiful" (1974, 18 min)
Programación del Domingo 1º de agosto, 18 hs. Entrada libre.
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350)
Stan Brakhage
Stan Brakhage fue, sin lugar a dudas, el elemento más sólido surgido del "New American Cinema". Su obra, casi muda en su totalidad, se constituye a través de la música visual ("recrear la visión con los ojos cerrados" manifestaba).
Sus films se extienden desde el registro de hechos cotidianos y su reconstrucción poética a través de montajes vertiginosos, a la intervención sobre el soporte fílmico pintado a mano o rayado.
"Empezaré por afirmar que Brakhage es uno de los cuatro o cinco artistas más auténticos trabajando en el cine actualmente, y quizá el realizador más original hoy en América. El trabajo de Brakhage es un cine mucho más avanzado, más verdadero, un cine con mayúscula y/o minúscula, un cine de autor, un cine personal superior al cine de Hiroshima, mon amour, por ejemplo. Si se habla de la verdadera creación personal, de la verdadera experimentación, de la que es también una profunda experiencia de arte, tenemos que hablar no sólo de Resnais o de Antonioni, sino, y quizá sobre todo, del trabajo de Stan Brakhage. Un paisaje, una cara, una mancha de luz, todo cambia bajo los ojos para convertirse en algo más, en una esencia de sí mismo, al servicio de su visión personal" Jonas Mekas
A partir de 1958, Brakhage, al casarse con Jane, establece un tipo de cine familiar donde los protagonistas son alternativamente sus hijos, su mujer, su gato y su perro. La vida en común, las discusiones, el sexo, el parto, son elementos interconexionados quedando reflejados en los siguientes trabajos:
"Desist film" (1954, 7 min)
"Cat’s cradle" (1959, 6 min)
"Wedlock house, an intercourse" (1959, 11 min)
"Window water baby moving" (1959, 12 min)
"I dreaming" (1988, 7 min)
"Crack glass eulogy" (1991, 6 min)
"Kindering" (1987, 3 min)
"Stars are beautiful" (1974, 18 min)
05 junio 2004
Disco difunde. Espacio de Publicidad.
Syndrome es un proyecto llevado a cabo por los integrantes del grupo Vera Baxter. Inaugurado en el 2003 en el Centro Cultural Parque de España con el evento especial Syndrome UHF, el proyecto es retomado este año con un ciclo de periodicidad mensual focalizado en la difusión de expresiones audiovisuales alternativas. Realizado en co-producción con el Centro Audiovisual Rosario, este ciclo multidisciplinario reúne en cada evento programas de cine/video experimental, cine de culto, instalaciones y videoperfomances.
Entre las muestras organizadas para este año se incluyen, entre otras, retrospectivas de iconos del cine experimental como Kenneth Anger, Stan Brackhage y Maya Deren, presentación de films de culto de Alejandro Jodorowsky, George Franjú y Derek Jarman, programas que abarcan cortometrajes experimentales desde las primeras vanguardias hasta la actualidad (Hans Richter, Bruce Conner, R.Kern, entre otros), y selecciones de videoarte nacional e internacional, desde el histórico Nam June Paik hasta los nuevos realizadores argentinos.
Cada evento incluirá también videoperformances e instalaciones.
El inicio de este ciclo esta pautado para los días 10 y 11 de junio, en las instalaciones del C.E.C. La programación incluye una retrospectiva completa de Maya Deren, la proyección de "Instituto Benjamenta", un inusual largometraje realizado por los hermanos Quay, una selección de tres de los mas notorios videoartistas brasileros, y "Los cielos de tormenta", una puesta audiovisual del grupo Vera Baxter.
Ahora, luego de esta breve introduccìón la programación.
En una segunda etapa, el proyecto se propone como una editora independiente de discos y como centro de producción de video experimental.
El proyecto es llevado a cabo por los integrantes del grupo Vera Baxter.
SYNDROME I / Junio 2004
Jueves 10. 20 hs.
Retrospectiva: Maya Deren (1ra. Parte)
Maya Deren es una de las figuras fundamentales del cine experimental norteamericano. Realizó, desde 1943, seis cortometrajes y dejó varios inconclusos, escribió un libro y diversos artículos sobre su particular visión de la teoría cinematográfica, y fue distribuidora y promotora de sus propios films, viajando con ellos para brindar charlas informativas acerca de sus conceptos teóricos en cada exhibición.
Sus 6 films terminados conforman una obra de inusual belleza y de una coherencia formal basada en el profundo conocimiento teórico y en sus estudios realizados en Haití acerca de las relaciones entre magia, ciencia, y religión. Su cine es tanto una experiencia ritual como un estricto ensayo autorreflexivo. Un cine de inspiración surrealista que explora las posibilidades del espacio, el tiempo, y el movimiento cinematográficos a través de complejas estructuras que oscilan entre el devenir onírico y las danzas imposibles.
Meshes of the afternoon (1943). Dur.: 18 min.
At Land (1944). Dur: 15 min.
A study in choregraphy for camera (1945) Dur.: 4 min.
Cine de culto: Instituto Benjamenta
Los hermanos Quay son realizadores ingleses abocados a una exquisita experimentación con técnicas de animación artesanal desde los años 70. Devotos del maestro checo de la animación, Jan Svankmaier, desarrollaron una estética personal plagada de extrañas texturas, movimientos dislocados, focos inestables, y un alucinado uso de la luz en el que su incidencia sobre la materia determina la conformación de los espacios.
Obsesivos constructores de siniestros universos personales, en "Instituto Benjamenta", único largometraje realizado hasta el momento, utilizando esta vez actores y breves secuencias de animación, adaptan la novela "Jakov Von Guten" del escritor suizo Robert Walser, pero pasándolo por el tamiz de una marca constante de su cine, un claustrofóbico clima kafkiano.
"Instituto Benjamenta" es un cuento de hadas siniestro, un sueño aletargado en blanco y negro, un ensayo poético sobre la servidumbre humana, un film hipnótico de extraña belleza y profundas resonancias existencialistas.
1995, 105 min, B/N, 35mn
Dirección: The Brothers Quay
Música: Lech Jankowski
Guión: Brothers Quay y Alan Passes, basado en "Jakov Von Guten", de Robert Walser
Viernes 11. 20 hs.
Retrospectiva: Maya Deren (2ra. Parte)
Ultimos trabajos de esta obra inusual trágicamente clausurada por una muerte prematura.
Ritual in trasnfigurated time (1946) Dur.: 15 min.
Meditation on violence (1948) Dur.: 12 min.
The Very Eye of Night (1958) Dur.: 15 min.
Electrocine: Selección de Brasil (videoarte)
Tres de los más importantes realizadores de video de Brasil, una obra de cada uno. Un pantallazo fugaz a través de una obra múltiple que expone una firme coherencia, una sutil poética, y una particular conciencia de los soportes utilizados.
Trovoada (Carlos Nader, 1995 - 17 minutos)
Un lugar que no conozco (Lucas Bambozzi, 1996 - 6 minutos)
Framed by Curtains (Eder Santos, 1999 - 11 minutos)
Videoperformance: Los cielos de tormenta, de Vera Baxter
Puesta audiovisual del trío Vera Baxter inspirada en un pasaje de "Jacov Von Gutten", de Robert Walser.
Música en vivo y videoproyecciones que conforman un itinerario guiado, un recorrido tortuoso trazado en seis lecciones esbozadas a tientas en la oscuridad. Un aprendizaje inútil e inevitable donde cada paso es el anuncio de la pérdida o la renuncia.
La puesta incluye material de Vera Baxter que formará parte de su segundo CD, igualmente titulado "Los cielos de tormenta"
Vera Baxter es:
Carolina Piva: voz y acordeón
Fernando Romero: programación de baterías y teclados.
Gustavo Galuppo: bajo y video.
Entrada general: $2
ORGANIZAN: VERA BAXTER y C.A.R.
Bueno, más que interesante, en lo inmediato un micro para Rosario.
Para los interesados, sí somos más de diez podemos alquilar una combi. ¿No?
Para los interesados, nuevamente, escribir a discofm2003@yahoo.com.ar.
Para los interesados, el interés y la búsqueda.
Disco pide: ¿Puede ser anualmente, el proyecto Syndrome en Buenos Aires?
No es mala idea. Para nosotros, claro.
Gracias a Gustavo por la información.
Syndrome es un proyecto llevado a cabo por los integrantes del grupo Vera Baxter. Inaugurado en el 2003 en el Centro Cultural Parque de España con el evento especial Syndrome UHF, el proyecto es retomado este año con un ciclo de periodicidad mensual focalizado en la difusión de expresiones audiovisuales alternativas. Realizado en co-producción con el Centro Audiovisual Rosario, este ciclo multidisciplinario reúne en cada evento programas de cine/video experimental, cine de culto, instalaciones y videoperfomances.
Entre las muestras organizadas para este año se incluyen, entre otras, retrospectivas de iconos del cine experimental como Kenneth Anger, Stan Brackhage y Maya Deren, presentación de films de culto de Alejandro Jodorowsky, George Franjú y Derek Jarman, programas que abarcan cortometrajes experimentales desde las primeras vanguardias hasta la actualidad (Hans Richter, Bruce Conner, R.Kern, entre otros), y selecciones de videoarte nacional e internacional, desde el histórico Nam June Paik hasta los nuevos realizadores argentinos.
Cada evento incluirá también videoperformances e instalaciones.
El inicio de este ciclo esta pautado para los días 10 y 11 de junio, en las instalaciones del C.E.C. La programación incluye una retrospectiva completa de Maya Deren, la proyección de "Instituto Benjamenta", un inusual largometraje realizado por los hermanos Quay, una selección de tres de los mas notorios videoartistas brasileros, y "Los cielos de tormenta", una puesta audiovisual del grupo Vera Baxter.
Ahora, luego de esta breve introduccìón la programación.
En una segunda etapa, el proyecto se propone como una editora independiente de discos y como centro de producción de video experimental.
El proyecto es llevado a cabo por los integrantes del grupo Vera Baxter.
SYNDROME I / Junio 2004
Jueves 10. 20 hs.
Retrospectiva: Maya Deren (1ra. Parte)
Maya Deren es una de las figuras fundamentales del cine experimental norteamericano. Realizó, desde 1943, seis cortometrajes y dejó varios inconclusos, escribió un libro y diversos artículos sobre su particular visión de la teoría cinematográfica, y fue distribuidora y promotora de sus propios films, viajando con ellos para brindar charlas informativas acerca de sus conceptos teóricos en cada exhibición.
Sus 6 films terminados conforman una obra de inusual belleza y de una coherencia formal basada en el profundo conocimiento teórico y en sus estudios realizados en Haití acerca de las relaciones entre magia, ciencia, y religión. Su cine es tanto una experiencia ritual como un estricto ensayo autorreflexivo. Un cine de inspiración surrealista que explora las posibilidades del espacio, el tiempo, y el movimiento cinematográficos a través de complejas estructuras que oscilan entre el devenir onírico y las danzas imposibles.
Meshes of the afternoon (1943). Dur.: 18 min.
At Land (1944). Dur: 15 min.
A study in choregraphy for camera (1945) Dur.: 4 min.
Cine de culto: Instituto Benjamenta
Los hermanos Quay son realizadores ingleses abocados a una exquisita experimentación con técnicas de animación artesanal desde los años 70. Devotos del maestro checo de la animación, Jan Svankmaier, desarrollaron una estética personal plagada de extrañas texturas, movimientos dislocados, focos inestables, y un alucinado uso de la luz en el que su incidencia sobre la materia determina la conformación de los espacios.
Obsesivos constructores de siniestros universos personales, en "Instituto Benjamenta", único largometraje realizado hasta el momento, utilizando esta vez actores y breves secuencias de animación, adaptan la novela "Jakov Von Guten" del escritor suizo Robert Walser, pero pasándolo por el tamiz de una marca constante de su cine, un claustrofóbico clima kafkiano.
"Instituto Benjamenta" es un cuento de hadas siniestro, un sueño aletargado en blanco y negro, un ensayo poético sobre la servidumbre humana, un film hipnótico de extraña belleza y profundas resonancias existencialistas.
1995, 105 min, B/N, 35mn
Dirección: The Brothers Quay
Música: Lech Jankowski
Guión: Brothers Quay y Alan Passes, basado en "Jakov Von Guten", de Robert Walser
Viernes 11. 20 hs.
Retrospectiva: Maya Deren (2ra. Parte)
Ultimos trabajos de esta obra inusual trágicamente clausurada por una muerte prematura.
Ritual in trasnfigurated time (1946) Dur.: 15 min.
Meditation on violence (1948) Dur.: 12 min.
The Very Eye of Night (1958) Dur.: 15 min.
Electrocine: Selección de Brasil (videoarte)
Tres de los más importantes realizadores de video de Brasil, una obra de cada uno. Un pantallazo fugaz a través de una obra múltiple que expone una firme coherencia, una sutil poética, y una particular conciencia de los soportes utilizados.
Trovoada (Carlos Nader, 1995 - 17 minutos)
Un lugar que no conozco (Lucas Bambozzi, 1996 - 6 minutos)
Framed by Curtains (Eder Santos, 1999 - 11 minutos)
Videoperformance: Los cielos de tormenta, de Vera Baxter
Puesta audiovisual del trío Vera Baxter inspirada en un pasaje de "Jacov Von Gutten", de Robert Walser.
Música en vivo y videoproyecciones que conforman un itinerario guiado, un recorrido tortuoso trazado en seis lecciones esbozadas a tientas en la oscuridad. Un aprendizaje inútil e inevitable donde cada paso es el anuncio de la pérdida o la renuncia.
La puesta incluye material de Vera Baxter que formará parte de su segundo CD, igualmente titulado "Los cielos de tormenta"
Vera Baxter es:
Carolina Piva: voz y acordeón
Fernando Romero: programación de baterías y teclados.
Gustavo Galuppo: bajo y video.
Entrada general: $2
ORGANIZAN: VERA BAXTER y C.A.R.
Bueno, más que interesante, en lo inmediato un micro para Rosario.
Para los interesados, sí somos más de diez podemos alquilar una combi. ¿No?
Para los interesados, nuevamente, escribir a discofm2003@yahoo.com.ar.
Para los interesados, el interés y la búsqueda.
Disco pide: ¿Puede ser anualmente, el proyecto Syndrome en Buenos Aires?
No es mala idea. Para nosotros, claro.
Gracias a Gustavo por la información.
